Un siglo de futurismo, tecnodeterminismo y barbarie

Posted on February 26, 2009 by ptqk

Cuando se cumplen 100 años desde que Marinetti y sus amigos publicaran el Manifiesto Futurista en Le Figaro (hoy, diario de la derecha neoliberal francesa), Franco Berardi Bifo nos ayuda a (no)celebrarlo con este muy particular Manifiesto Post-Futurista:

El Manifiesto del Futurismo inauguró un siglo que creía en el futuro, iniciando un proceso en el que el organismo colectivo se haria maquínico. Este devenir-máquina ha alcanzado su final con la concatenación de la web global y está ahora siendo derrocado por el colapso del sistema finaciero fundado en la futurización de la economía, la deuda y la promesa económica. Esta promesa ha acabado. La era del post-futurismo ha comenzado.

El siglo XIX no acabó en el 1900 sino al final de la 1ª guerra mundial en 1918. La crisis del 29 tampoco acabó con el New Deal sino con la 2ª guerra mundial. Hace falta estar muy sordo para no oir a los caballos relinchar en el establo. Ahora vienen con GPS, están genéticamente modificados y han estudiado en el MIT. No es erótica del apocalismo, es sentido común.


Manifiesto Post-Futurista completo aquí.
La imagen entrañable es de Chow Martin.

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"El sublime posnuclear". Angela Molina sobre la cultura japonesa

Posted on February 22, 2009 by ptqk
Qué buenísimo artículo de Angela Molina, firma habitual de la sección de arte del Babelia. El pretexto es la exposición de Takashi Murakami en el Guggenheim bilbaíno. El argumento, “la narrativa de la humillación nacional basada en una política de infantilización” y su impacto en la cultura y el arte japoneses. Una aproximación sociológica e histórica a un fenómeno que a menudo nos llega cargado de fetichismo superficial y fascinación etnocéntrica. Un ejemplo también de cómo la crítica de arte puede ser un oficio bien noble. Copio algunos fragmentos.

Takashi Murakami, “The Castle of Tin Tin” 1998

Verano de 1945, la estación donde termina la historia y comienza el infierno. Sobre las monótonas ruinas de un Estado-nación convertida en guiñol del Gobierno americano nacerá la feliz arcadia de un pueblo derrotado incapaz de distinguir entre el bien y el mal. A partir de aquel escenario posatómico, una generación de creadores vinculados a las formas de vida otaku (literalmente, “en casa”) idearon la estética manga. Extremadamente sentimentales, eran el fiel trasunto japonés de los hippies americanos. La Exposición Internacional de Osaka de 1970 titulada Progreso y armonía de la humanidad simbolizó su primera ilusión contra el trauma, la que les permitió soñar en un futuro libre de fronteras donde la tecnología y la conquista del espacio hacían posible creer en un mundo mejor. Pero el futuro nunca llegó. (…)

La alegorización de Japón fue tan insatisfactoria que, durante décadas, toda una generación creció encerrada en su habitación. Obsesionados con almacenar información, aquellos jóvenes sentían que la paz había sido transformada por un único sentido del tiempo frente a la televisión. (…)

La nutricia América les enseñó que la verdadera razón de la vida era el sinsentido, y les adiestró para vivir en él. Sus férreas jerarquías se desmantelaron. Los japoneses fueron forzados a entrar en un sistema que ya no producía “adultos”, sino seres irresponsables. Little Boy era el nombre-código de la bomba que había caído sobre Hiroshima en la húmeda estación donde la historia termina y comienza el infierno. Surge así toda una narrativa de la humillación nacional basada en una política de infantilización. De esta forma, desarrollaron una dependencia de los americanos que comenzó con la ocupación y continúa hasta hoy, de lo que resulta la negación del ser adulto y la nación. En otras palabras: el pueblo japonés había renunciado a crecer. Impactados por una fijación preadolescente con la estética de la fantasía, el país emerge hoy como el último little boy.

Seguir leyendo “El sublime posnuclear”.
Más imágenes aqui.

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EKMRZ-Trilogy de Ubermorgen. Buenas noticias para el arte digital

Posted on February 20, 2009 by ptqk
Al hilo del post del otro día sobre la lista de 100 artistas españoles, cuando me sorprendía tanto coincidir con los gustos del jurado, hoy desayuno con otra buena noticia. De esas que me hacen reconciliarme con el arte y me dan un pretexto estupendo para no paracer siempre una cascarrabias. ¡El proyecto ganador de la sección de arte digital de ARCO es muy bueno! Con vosotros, EKMRZ-Trilogy del colectivo Ubermorgen.
EKMRZ-Trilogy son tres proyectos, cada uno sobre un gigante de la economía online que es posiblemente el aspecto más conflictivo y menos estudiado (desde el arte y desde cualquier otro ángulo) de la cultura digital contemporánea.

GWEI – Google Will Eat Itself (2005-08) genera dinero a partir de los propios anuncios de Google situados en páginas web ocultas. Los ingresos generados se utilizan para comprar participaciones en la empresa número 1 de la red. Un modelo “auto-canibal” de deconstrucción de la economía digital que me recuerda poderosamente a ese meme que ya hemos visto circular: Si Google lo hacemos los usuarios, nacionalicemos Google!

En Amazon Noir – The Big Book Crime (2006-07) los Bad Guys (Cirio, Lizvlx, Ludovico, Bernhard) se han apropiado de 3000 libros protegidos con copyright y que se venden en Amazon gracias a un robot de “perversión tecnológica”. El programa en cuestión lo han acabado vendiendo al propio Amazon por una suma que se niegan a declarar.

The Sound of eBay (2008-09) genera sonido a partir de los datos de los usuarios del portal de subastas. Introduces tu usuario, tu email y recibes una notificación cuando tu canción está lista para descargar. Las piezas sonoras, presentadas en “estilo porno telexto” circulan por la red visualizadas como un paisaje audiovisual.

Net Art is dead. Larga vida al Next Art.

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Tecnología & Educación. Pero podríamos hablar de cualquier otra cosa

Posted on February 15, 2009 by ptqk


El órgano más misterioso del ser humano (excepto para algunos gurús de Internet)

Parece mentira que ya van para 5 años de blogera y aún no me tengo aprendidas las buenas prácticas más elementales, como anunciar mis bolos con un mínimo antelación. Bueno, pues hoy estoy resolutiva. El miércoles estaré en el centro de arte LABoral de Gijón dentro de las jornadas “Arte, ciencia, tecnología y nuevas prácticas artísticas II” dirigidas a profesores. El jueves le toca el turno a Melania Fraga que hablará sobre “MeipiAsturies. Cartografía Digital Colaborativa Ciudadana” y el viernes a Juan Freire con una ponencia sobre “Medios sociales y cultura digital: retos y opotunidades para la educación”.

La verdad es que no tengo ninguna gana de sumarme al canto de sirenas de que la tecnología nos hace a todos más listos. Ya sé que algunos tenemos que estar anunciando la revolución todos los días pero hay tanta euforia en el ambiente, tantas expectativas puestas en lo digital y tan poco rigor… Faltan datos (datos-datos), faltan métodos de evaluación, faltan terminologías, faltan análisis largos en el tiempo… Y sobre todo creo que falta mucha paciencia (y un poco de honradez también).

Un ejemplo de esto es la urgencia con la que se defiende la existencia de los famosos Nativos Digitales. Como si fuera la santísima trinidad. Pues francamente, y me importa un pito que los Microsiervos lo saquen en su blog: Victoriano Izquierdo sólo es un chico con talento para la fotografía. Mucho, sí. Y tiene cámara digital y publica sus fotos online. ¿Y? No es más que un genio precoz que utiliza los métodos de la época que le ha tocado vivir. Pero de su caso no se puede deducir un fenómeno generacional. Salvo que necesitemos pruebas a toda costa.

Jorge del Rio, citado por Genis Roca, define a los nativos digitales como los que a) se conectan cada día, viven online y producen contenidos y b) son menores de 44 años. Los que no cumplen ambas características son inmigrantes digitales. La condición a) es discutible pero la b) es total de pandereta. ¿44? No está tan claro que haya una relación directa entre brecha digital y edad. Hay muchos más factores que condicionan el acceso al conocimiento y la mayoría son de los de toda la vida: género, entorno familiar, nivel adquisitivo, ubicación geográfica. Pero incluso si la hubiera… ¿44? Ni 40 ni 45, no, no, no. 44 justos. Entonces, según este estudio ¿yo soy una nativa? Tengo 32 años, produzco contenidos, vivo intensamente online, es cierto. Pero yo no he crecido conectada al messenger. Yo he crecido con los tebeos y la televisión española de dos canales. Y aún recuerdo el día que mandé mi primer email. Lo siento por la estadística, pero yo soy una inmigrante digital.

Estrategias profesionales aparte, creo que nos estamos haciendo la picha un lío. Espero que el miércoles me toque un grupo hablador y los profes me cuenten cómo ven ellos las cosas, que por este lado también tenemos mucho que aprender. Claro que hay que analizar lo que pasa pero da la sensación de que hay muchas conclusiones sacadas de la manga. Conclusiones que no se sostienen con datos concretos y no pasan la prueba del más mínimo rigor científico (aunque sea el pseudo-cientifismo de las ciencias sociales). Deberíamos ser capaces de hablar de tendencias y orientaciones, de buscar buenos indicadores, de hacernos las preguntas adecuadas… Y dejar de tener tanta prisa por ser los primeros en responder.

Estoy post-utópica, una vez más. Será el bajón de la digital party que me repite 😉

Actualizando: aquí la presentación (disponible para descarga en Slideshare/ptqk).

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100 artistas españoles. La lista

Posted on February 13, 2009 by ptqk


Cabello/Carceller, Sin título (Utopía) nº 9, 1998-2004

Ya se sabe lo cruel que es esto de las listas. Si no estás in, estás out. Esta ha sido elaborada por un grupo de 28 profesionales de las artes y la prensa españolas bajo la batuta de la todopoderosa Rosa Olivares, responsable también de la edición del libro, publicado por EXIT.

Aparte del morbo y de que personalmente coincido mucho con el gusto del jurado (¿será que las artes están cambiando? ¿seré yo que me estoy volviendo un coñazo? me llevo la duda a la cama), la selección tiene mucho interés. Dicen en El Pais que “consagra a los artistas conceptuales y da la espalda a la figuración”. Bueno, sólo faltaba. Pero sobre todo hace el registro de una generación de creadoras/es, repesca a algunos de generaciones anteriores que seguramente no han recibido la debida atención y avala a muchos que no siempre se han movido por los circuitos más convencionales, ya sea por los temas que tratan o por cómo los tratan.

Me hace muy feliz leer que no están ni Antoni Tàpies ni Antonio López (que no necesitan una lista así para nada) y que Miquel Barceló haya “entrado de chiripa” (será por la cúpula famosa, que al final le va a salir rana). Pero me satisface aún más encontrar nombres como el de Virginia Villaplana, Esther Ferrer, Azucena Vieites o Cabello/Carceller. ¿Que son artistas consagradas? Bueno. También tienen todos los boletos para quedarse en la alargada sombra de los demás.

En fin, que dudosa y contenta copio-pego aquí la lista de los 100 elegidos -y la de sus padrinos- porque curiosamente no tiene casi entradas en el Google (aunque sí, algo de bronca sí hay).

And the oscar goes to:
Antoni Abad, Rafael Agredano, Pep Agut, Pilar Albarracín, Lara Almarcegui, Chema Alvargonzález, José Ramón Amondarain, Eugenio Ampudia, Daniel G. Andújar, Ibon Aranberri, Txomin Badiola, Eugènia Balcells, Jorge Barbi, Miquel Barceló, Elena Blasco, Isidro Blasco, Rosa Brun, Cabello/Carceller, Carmen Calvo, Miguel Ángel Campano, Eugenio Cano, Victoria Civera, Chema Cobo, Javier Codesal, Jordi Colomer, Carles Congost, Nacho Criado, Rufo Criado, Ángela de la Cruz, Elena del Rivero, Pep Durán, Jon Mikel Euba, Evru, Esther Ferrer, Alicia Framis, Dora García, Ferran García Sevilla, Iñaki Garmendia, Curro González, Luis Gordillo, Federico Guzmán, Juan Hidalgo, Cristina Iglesias, Prudencio Irazabal, Pello Irazu, Concha Jerez, Menchu Lamas, Francisco Leiro, Carlos León, Guillermo Lledó, Eva Lootz, Maider López, Rogelio López Cuenca, Enrique Marty, Mateo Maté, Miralda, Miquel Mont, Juan Luis Moraza, Joan Morey, Manu Muniategiandikoetxea, Antoni Muntadas, Paloma Navares, Marina Núñez, Itziar Okariz, José Antonio Orts, Mabel Palacín, Esther Partegàs, Antón Patiño, Carlos Pazos, Javier Peñafiel, Alberto Peral, Perejaume, Juan Pérez Agirregoikoa, Jaume Plensa, Txuspo Poyo, Ana Prada, Sergio Prego, Fernando Renes, Juan Carlos Robles, Pedro G. Romero, MP & MP Rosado, Francisco Ruiz de Infante, Manuel Saiz, Simeón Saiz Ruiz, Fernando Sánchez Castillo, Néstor Sanmiguel Diest, Soledad Sevilla, José María Sicilia, Santiago Sierra, Fernando Sinaga, Susana Solano, Francesc Torres, Juan Ugalde, Darío Urzay, Juan Uslé, Isidoro Valcárcel Medina, Eulàlia Valldosera, Azucena Vieites, Darío Villalba, Virginia Villaplana.

El jurado:
Peio Aguirre, Juan Vicente Aliaga, David Barro, José Luis Brea, Fernando Castro Flórez, Estrella de Diego, Pedro de Llano, Iván de la Torre Amerighi, Rocío de la Villa, Celia Díez, Carolina García, Amber Gibson, Beatriz Herráez, Ana Martínez-Collado, Neus Miró, Frederic Montornés, Seve Penelas, Martí Peran, Luis Francisco Pérez, José Luis Pérez Pont, Mónica Portillo, Glòria Picazo, Laura Revuelta, Francisco Javier San Martín, Rosa Olivares, Sergio Rubira, Alberto Sánchez Balmisa, Chus Tudelilla.

Actualización. Un muy buen artículo sobre la lista:
Entre el triunfo y el anonimato. Rankings, hits y tops publicado por mokoyote, alias fito en Mugalari.

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Designed in China. La creatividad del Dragón

Posted on February 11, 2009 by ptqk
Andrew Ross, del que hablaba el otro día a propósito de la creative under-class, es uno de esos autores con un olfato extraordinario, que le ha llevado, entre otras muchas cosas, a estudiar de cerca uno de los efectos de la post-globalización: la emergencia de las industrias creativas en China. Como todo en China, el proceso es contundente y será poco reconocido hasta que ya sea una obviedad tan monumental que no podamos negarla. A medida que el gigante asiático se moderniza, los florecientes tiempos del Made in China empiezan a mostrar síntomas de decadencia. ¿Y qué viene ahora? Pues el Designed in China.

Cartel de la exposición “China Design Now” en el V&A Museum de Londres en 2008.

Las “industrias creativas” han llegado a la agenda del gobierno y tienen nombre: chuangyi gongye. El sentimiento general es que para completar el Gran Salto Adelante, China necesita demostrar que es capaz de competir en el mismo terreno de juego y con las mismas armas que las grandes economías del planeta: los media y el entretenimiento. En 2001 el 9º Congreso Popular de la República China ratificó el concepto de “industrias culturales” (wenhua chanye), casi una década después de que apareciera por primera vez en los papeles internos del Partido. Desde entonces la privatización de los medios de comunicación estatales y de Internet ha sido un tema político controvertido, según Ross “un juego del gato y el ratón” entre el gobierno y los lobbies más progresistas.

Los niños bonitos del Designed in China son la animación, el grafismo, las comunicaciones multimedia, la telefonía móvil (con varios cientos de millones de consumidores y potencialmente muchísimas más) y los videojuegos (y un dato: el juego online ha sido reconocido como “deporte de competición” por la agencia estatal de deportes). Además, China posee un enorme mercado lingüistico, tanto dentro como fuera de sus fronteras: esto significa literatura, cine, comic, prensa y cine en chino mandarin. Cierto que todavía hoy muchos de estos productos se importan de Estados Unidos pero la brecha cultural es tan grande que no siempre satisfacen los gustos del consumidor cultural chino: hombres y mujeres urbanos, con un nivel de estudios alto, inclinaciones artísiticas o intelectuales y un sentido patriótico ultra-desarrollado.

Uno de los obstáculos al desarrollo de las industrias creativas en China es la censura, a la que es especialmente sensible la industria de la creatividad. Al interior del establishment del Partido, muchos siguen negándose a abrir la caja de Pandora de la libre expresión. La versión oficial es que el desastre de Tiananmen fue debido a la explosión de la fiebre cultural (wenhua re). Y esto sigue pesando mucho. Pero casi todos saben, los de la vieja guardia también, que están jugando con las posibilidades de un sector potencialmente muy lucrativo. De momento, el sector creativo ya ha encontrado la forma de eludir la censura: intentar que sus producciones entren en el marco de actuación del Ministerio de Ciencia y Tecnología, mucho más laxo que el de Cultura.


“The Secret of the Magic Gourd” de 2007, la primera peli de la Disney para el mercado interior chino.

Otro de los obstáculos es la propiedad intelectual. Tal y como está organizado el mercado internacional de las patentes y los derechos de autor, la balanza no está de su parte. Hasta ahora las empresas culturales chinas son más consumidoras que productoras de propiedad intelectual. Aún compran muchos derechos de reproducción y muchas patentes industriales pero la tendencia está invirtiéndose a un paso firme. El objetivo es dejar de basar el crecimiento en la imitación o la adaptación de invenciones extranjeras y fomentar la innovación nacional (que ellos llaman “independiente”: zizhu changxin). En 2006 el primer ministro declaró que la innovación independiente sería uno de los ejes del desarrollo económico chino para los próximos 15 años.

Dicen los descreidos que tantas décadas de congelación à la comunista no son un buen caldo de cultivo para la creatividad. Sin embargo China cuenta con un impresionante patrimonio cultural: varios siglos de mitos, leyendas, heroes y fábulas populares que esperan el momento de verse convertidas en guiones de películas, series televisivas, animaciones para el móvil o videojuegos. Disney ya lo ha entendido: “The Secret of the Magic Gourd” de 2007 (ver el trailer), basada en un cuento infantil chino, ha sido realizada integramente en la República Popular y es la primera producción de Disney fuera de Hollywood. “The Secret of the Magic Gourd” ha sido inicialmente concebida para el mercado nacional pero, visto el tirón del asian mood, es posible que no tarde en exportarse a otros paises, incluidos los occidentales.

Más en Andrew Ross “Nice Work If You Can Get It. The Mercurial Career of Creative Industries Policies” en MyCreativity Reader.

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The Aesthetics of Terror

Posted on February 7, 2009 by ptqk

Ivana Spinelli, “Global Pin-ups”

Ivana Spinelli es una de las artistas de The Aesthetics of Terror, una exposición sobre el imaginario del Terror que llega a la Akademie der Kunste de Berlin este mes de marzo, dentro del programa Embedded Art.

Junto a la “guerra contra el terror” como argumento central de la administración Bush y otros gobiernos, ha emergido una cultura visual del shock y el temor, que se ha hecho ubicua gracias a Internet y los programas de noticias de 24 horas dedicados a representar el horror de la violencia asociada con el terrorismo, desde las estéticas imágenes de los bombardeos nocturnos de las ciudades en Irak hasta las grotescas matanzas de rehenes por los fundamentalistas. (Henry Giroux, “Beyond the Spectacle of Terrorism, Global Uncertainly and the Challenge of the New Media”)

The link between terror and aesthetics first became apparent to me in the preponderance of images I kept seeing in galleries that seemed to belong more in the pages of Time magazine or in news coverage, than in an art space — depictions of tanks and soldiers, riots in the streets, bodies strewn on the ground in the “aftermath” of conflict. As striking as many of these photographs were I questioned their function in the museum/gallery setting. Were they protests? Did they make visible (a claim I have heard) images that the newspapers would not print because of their inflammatory nature — disclosing what the government wanted to keep hidden? Or did this translation or appropriation of war imagery, images of suicide bombers, real or fictional, itself become another trope, a kind of Pop, in the sense that it was an uncritical mirroring of images already circulating in our culture, only now the soup can has become a gun? (Manon Slome)

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Wiki-historias

Posted on January 31, 2009 by ptqk

Publicado en Mugalari en enero de 2009.

“Wiki-historias” convoca a artistas y mediadoras del ámbito vasco a escribir una historia del arte que las tenga en cuenta y reflexionar sobre el modo en que se crean las narraciones oficiales. Un wiki de edición colectiva y visitas a los fondos del Museo de Bellas Artes de Bilbao son algunas de las iniciativas puestas en marcha.

“Wiki-historias” es algo así como una caja de resonancia del arte feminista, en la que retumban algunas de las premisas que más lo han inspirado desde la década los sesenta hasta hoy. La primera es la ausencia crónica de las artistas mujeres en los circuitos tradicionales de legitimación como muestras, ensayos o colecciones. Esta invisibilidad, que las Guerrilla Girls ya abordaron en una de sus más famosas acciones contra el sexismo del Metropolitan Museum de New York (“¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en los museos?”) es congénita a casi todas las disciplinas artísticas y se reproduce exactamente igual en el ámbito vasco. Así por ejemplo, en la exposición “Gaur, Hemen, Orain” de 2002, sólo 5 de los 20 artistas presentados como exponentes de la “nueva escena del arte vasco” eran mujeres. La misma (des)proporción se constataba en «Incógnitas: cartografías del arte vasco contemporáneo» comisariada por J. L. Moraza para el Museo Guggenheim y se repite en la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Bilbao que las impulsoras de “Wiki-historias”, Saioa Olmo y Haizea Barcenilla, han mirado con lupa durante las visitas a sus fondos organizadas en el marco del proyecto.

“En los últimos veinte años la política de adquisiciones no se corresponde a un panorama artístico en el que hay abundancia de mujeres con trabajos de gran calidad. Entre el 2000 y el 2008 en el Museo de Bellas Artes se han adquirido 3 obras de artistas mujeres de un total de aproximadamente 60 obras de arte contemporáneo. A pesar de que se han hecho exposiciones como “Mujeres impresionistas” o “Kiss Kiss Bang Bang” tampoco tenemos constancia de que haya dentro de la colección ninguna obra de temática feminista”.

La intención de “Wiki-historias” se ubica expresamente en este marco de recuperación, documentación y legitimación del trabajo de (mujeres) artistas cuya trayectoria ha sido, como dicen con ironía en su manifiesto, “descuidada” por la Historia.

La segunda premisa es la que se refiere al papel de las narraciones -la Historia y las historias- en la construcción de un imaginario compartido, presuntamente neutral. Como señala la teórica de feminismo poscolonial y realizadora de cine Hito Steyerl, “el documento como objeto siempre es producido en el marco de un discurso histórico, científico, periodístico, como una especie de verdad”. Pero, continúa, “a la vez es ese mismo documento es el que produce la verdad, una verdad que por tanto está siempre manufacturada”. Es esta dimensión meta la más interesante de “Wiki-historias” que, al convocar abiertamente a las artistas y mediadoras a documentar sus propias experiencias, explicita los mecanismos ambivalentes que se esconden tras la creación de una narrativa común. Pero es también su dimensión más crítica puesto que, más allá de la necesidad de crear un espacio legítimo para las artistas mujeres, “Wiki-historias” hace patente la dificultad real de modificar la historia desde una posición genuinamente no autorizada, como es la de las mujeres. De hecho, la participación se está haciendo esperar.

“Hemos notado que el término feminismo se malinterpreta y no siempre es bien acogido entre mujeres artistas jóvenes. Además hay gente que no se siente legitimada para escribir sobre lo que ha vivido de una manera que pueda estar inscrita en la Historia, piensan que otras personas de su entorno que también han vivido los mismos acontecimientos están más en su derecho de escribir sobre ellos”.

En otro gesto de clara tradición feminista, el proyecto pone énfasis en las historias informales y no registradas, los procesos cotidianos aparentemente sin importancia que a menudo explican la realidad de los hechos con mayor perspectiva que las narraciones oficiales. Siguiendo esta misma linea micro-política, el proyecto incluye así mismo una serie de cuestionarios sobre las realidades menos visibles del mundo del arte: las relaciones laborales, la educación o la compatibilización entra la vida profesional y la personal. Y por último, mediante el uso del wiki, incorpora la crítica histórica del pensamiento de género hacia la tradición racionalista patriarcal y su ilusión de un discurso individual, unilateral e unívoco. Aunque menos populares que sus hermanos los blogs, los wikis son aplicaciones especialmente pensadas para el trabajo en red: edición colaborativa y horizontal, sin jerarquías entre las distintas aportaciones (todas pueden ser discutidas y transformadas en cualquier momento) y con una vocación procesual que excluye la posibilidad de un producto (o un punto de vista) definitivo. Además de la sección de orden más documental (“Quién es quién” para los perfiles de artistas y mediadoras), de los apartados de anécdotas y rumores y de los cuestionarios, el wiki incluye artículos y textos de referencia sobre arte feminista y unas muy nutridas tablas sobre la efectiva presencia de mujeres en diferentes entornos artísticos del ámbito vasco (en la facultad de Bellas Artes, en los premios Gure Artea, en las galerías privadas o en las becas de las administraciones públicas por ejemplo).

“Wiki-historias” ha iniciado su andadura apoyándose en varias actividades paralelas: talleres, presentaciones del proyecto en universidades y espacios de arte, visitas guiadas a los fondos del Museo de Bellas Artes de Bilbao y un dispositivo de intermediación entre artistas e historiadoras (“Historiadas por la Historia”). El proyecto seguirá en activo hasta el mes de febrero y, a partir de entonces y si ninguna entidad muestra interés en mantenerlo, permanecerá online como archivo de consulta y documentación.

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Ni todo va a ser Berlin: Outono Fotografico de Ourense

Posted on January 28, 2009 by ptqk

El Outono Fotografico de Ourense celebra su 25º aniversario.

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Art Kill Art. No todo va a ser Transmediale

Posted on January 28, 2009 by ptqk




Artkillart is a label created in 2007, based in Paris and Berlin. The label aims to promote experimental audiovisual and procedural sound art. Artkillart invites artists to conceptualize, create and design an object, which explores the limitations of the support (dvd, usb, cd and/or vinyle), and tries to translate the specific processes of creation. Label artists : Radio Free Robots, Samon Takahashi & Vincent Epplay, Yann Leguay, chdh, RYbN, harddisko, Michael Sellam, Das Wunderlitzer and more.

CHB BERLIN, Berlin

CONCERTS

/ YANN LEGUAY – CUTTER OFF DISCSECTION
/ PURE – IFICATION LIVE
/ CHDH – VIVARIUM PERFORMANCE
/ MICHAEL SELLAM – ODE TO JOY
/ VENHZA CHRIST [honf] – LIVE PERFORMANCE
/ RYBN – [av/rt/p]
/ JoDi – FOLKSOMY.ALPHA

INSTALLATIONS & SCREENINGS

/ YANN LEGUAY – CUT / INSTRUMENTAL ‘ ‘ ‘ ‘
/ MARIKA DERMINEUR, STEPHANE DEGOUTIN, GWENOLA WAGON – WHAT ARE YOU ?
/ JEROME FINO – EYES FOR EARS : MACRO VIDEOS
/ MICHAEL SELLAM – THE FLYING DUTCH MAN
/ KUDA – SAFE DISTANCE
/ JUSTICE YELDHAM – BETA : DVDR


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